Fotografie: S laskavým svolením Naturhistorisches Museum

Tato drobná socha dějin umění, měřící jen něco málo přes čtyři palce, byla objevena v Rakousku v roce 1908. Nikdo neví, jakou funkci sloužila, ale odhady sahaly od bohyně plodnosti po pomoc při masturbaci. Někteří učenci naznačují, že to mohl být autoportrét vytvořený ženou. Je to nejslavnější z mnoha takových objektů pocházejících ze starší doby kamenné.

Fotografie: S laskavým svolením CC/Wiki Media/Philip Pikart

Tento portrét je symbolem ženské krásy od chvíle, kdy byl poprvé objeven v roce 1912 v ruinách Amarny, hlavního města postaveného nejkontroverznějším faraonem starověké egyptské historie: Achnatonem. Život jeho královny Nefertiti je něčím záhadným: Má se za to, že nějakou dobu po Achnatonově smrti vládla jako faraon – nebo pravděpodobněji jako spoluregentka královského chlapce Tutanchamona. Někteří egyptologové se domnívají, že byla ve skutečnosti Tutovou matkou. Tato štuková vápencová busta je považována za ruční dílo Thutmose, Achnatonova dvorního sochaře.

Fotografie: S laskavým svolením CC/Wikimedia Commons/Maros M raz

Terakotová armáda, objevená v roce 1974, je obrovská skrýš hliněných soch pohřbených ve třech masivních jámách poblíž hrobky Shi Huanga, prvního čínského císaře, který zemřel v roce 210 před naším letopočtem. Armáda, která ho má chránit v posmrtném životě, je podle některých odhadů čítána více než 8 000 vojáků spolu s 670 koňmi a 130 vozy. Každý je v životní velikosti, i když skutečná výška se liší podle vojenské hodnosti.

Fotografie: S laskavým svolením CC/Wiki Media/LivioAndronico

Snad nejslavnější socha římského starověku,Laocoon a jeho synovébyl původně objeven v Římě v roce 1506 a přesunut do Vatikánu, kde sídlí dodnes. Vychází z mýtu o trojském knězi zabitém spolu se svými syny mořskými hady, které poslal bůh moře Poseidon jako odplatu za Laocoönův pokus odhalit lest trojského koně. Toto figurální seskupení v životní velikosti, původně instalované v paláci císaře Tita, připisované trojici řeckých sochařů z ostrova Rhodos, nemá konkurenci jako studie lidského utrpení.

Fotografie: S laskavým svolením CC/Wikimedia/Livioandronico2013

Michelangelův David, jedno z nejikoničtějších děl v celé historii umění, má svůj původ ve větším projektu ozdobit opěráky velké florentské katedrály Duomo skupinou postav převzatých ze Starého zákona. TheDavidebyla jedna a byla ve skutečnosti zahájena v roce 1464 Agostinem di Duccio. Během následujících dvou let se Agostinovi podařilo vydrsnit část obrovského bloku mramoru vytesaného ze slavného lomu v Carraře, než se zastavil v roce 1466. (Nikdo neví proč.) Další umělec se toho zbavil, ale i on jen krátce na tom pracoval. Mramor zůstal nedotčen dalších 25 let, dokud jej Michelangelo v roce 1501 znovu nevyřezal. Bylo mu tehdy 26 let. Když skončil, David vážil šest tun, což znamenalo, že ho nebylo možné vyzvednout na střechu katedrály. Místo toho byl vystaven těsně před vchodem do Palazzo Vecchio, florentské radnice. Figura, jedna z nejčistších destilací ve stylu vrcholné renesance, byla okamžitě přijata florentskou veřejností jako symbol vlastního odporu městského státu proti mocnostem, které jsou proti němu seskupené. V roce 1873,Davidebyl přesunut do Accademia Gallery a replika byla instalována na jeho původní místo.

Fotografie: S laskavým svolením CC/Wiki Media/Alvesgaspar

Gian Lorenzo Bernini, uznávaný jako původce vrcholného římského baroka, vytvořil toto mistrovské dílo pro kapli v kostele Santa Maria della Vittoria. Baroko bylo nerozlučně spjato s protireformací, jejímž prostřednictvím se katolická církev snažila zastavit vlnu protestantismu, která se vzedmula v Evropě 17. století. Umělecká díla jako Berniniho byla součástí programu k opětovnému potvrzení papežského dogmatu, kterému zde dobře posloužil Berniniho génius pro nasycení náboženských scén dramatickými příběhy.Extázeje názorným příkladem: Její námět – svatá Tereza z Ávily, španělská karmelitánská jeptiška a mystička, která psala o svém setkání s andělem – je zobrazena právě ve chvíli, kdy se anděl chystá zabodnout šíp do jejího srdce.ExtázeErotický podtext je nezaměnitelný, nejzřetelněji v orgasmickém výrazu jeptišky a svíjející se látce obepínající obě postavy. Bernini, architekt a umělec, také navrhl prostředí kaple v mramoru, štuku a malbě.

Fotografie: S laskavým svolením Metropolitan Museum of Art/Fletcher Fund

Italský umělec Antonio Canova (1757–1822) je považován za největšího sochaře 18. století. Jeho dílo ztělesňovalo neoklasicistní styl, jak můžete vidět na jeho mramorovém ztvárnění řeckého mýtického hrdiny Persea. Canova ve skutečnosti vytvořil dvě verze díla: Jedna sídlí ve Vatikánu v Římě, zatímco druhá stojí v Evropském sochařském dvoře Metropolitního muzea umění.

Fotografie: Metropolitní muzeum umění

Zatímco impresionistický mistr Edgar Degas je nejlépe známý jako malíř, pracoval také v sochařství a vytvořil to, co bylo pravděpodobně nejradikálnějším úsilím jeho tvorby. Vyráběl DegasMalý čtrnáctiletý tanečníkz vosku (z něhož byly po jeho smrti v roce 1917 odlity další bronzové kopie), ale skutečnost, že Degas oblékl svého stejnojmenného subjektu do skutečného baletního kostýmu (s živůtkem, tutu a pantoflemi) a paruky z pravých vlasů, způsobila senzaci, kdyžTanečníkdebutoval na šesté impresionistické výstavě v roce 1881 v Paříži. Degas se rozhodl zakrýt většinu svých ozdob voskem, aby odpovídaly ostatním dívčiným rysům, ale ponechal si tutovku, stejně jako stuhu, která jí zavazovala vlasy, tak jak byly, čímž se postava stala jedním z prvních příkladů nalezeného předmětu. umění.Tanečníkbyla jedinou sochou, kterou Degas za svého života vystavoval; po jeho smrti bylo v jeho ateliéru nalezeno dalších 156 exemplářů.

Fotografie: S laskavým svolením Philadelphia Museum of Art

Zatímco většina lidí si spojuje velkého francouzského sochaře Augusta Rodina sMyslitel, tento soubor připomínající incident během stoleté války (1337–1453) mezi Británií a Francií je pro dějiny sochařství důležitější. pověřena výstavbou parku ve městě Calais (kde bylo zrušeno celoroční obléhání Angličany v roce 1346, když se šest městských starších nabídlo k popravě výměnou za ušetření obyvatelstva),Měšťanévyvaroval se formátu typického pro tehdejší památky: Místo postav izolovaných nebo naskládaných do pyramidy na vysokém podstavci skládal Rodin svá témata v životní velikosti přímo na zemi, v úrovni diváka. Tento radikální posun k realismu se rozcházel s hrdinským zacházením, které se obvykle přiznávalo takovým venkovním dílům. SMěšťanéRodin udělal jeden z prvních kroků k modernímu sochařství.

Fotografie: S laskavým svolením CC/Flickr/Wally Gobetz

V roce 1912 Picasso vytvořil kartonovou maketu kusu, který by měl mimořádný dopad na umění 20. století. Také ve sbírce MoMA zobrazovala kytaru, předmět, který Picasso často zkoumal v malbě a koláži, a v mnoha ohledechKytarapřevedl kolážové techniky cut and paste ze dvou rozměrů na tři. Totéž udělalo i pro kubismus, a to sestavením plochých tvarů k vytvoření mnohostranné formy s hloubkou i objemem. Picassovou inovací bylo vyhnout se konvenčnímu vyřezávání a modelování sochy z pevné hmoty. Místo toho,Kytarabyla spojena dohromady jako konstrukce. Tato myšlenka by se odrazila od ruského konstruktivismu až po minimalismus a dále. Dva roky po vytvořeníKytarav kartonu, Picasso vytvořil tuto verzi v nařezaném plechu

Fotografie: Metropolitní muzeum umění

Italský futurismus od svých radikálních počátků až po svou konečnou fašistickou inkarnaci šokoval svět, ale žádné dílo nebylo příkladem naprostého deliria tohoto hnutí než tato socha jednoho z jeho předních světel: Umberta Boccioniho. Začínal jako malíř a po cestě do Paříže v roce 1913 se Boccioni obrátil k trojrozměrné práci, během níž navštívil ateliéry několika avantgardních sochařů té doby, jako byli Constantin Brancusi, Raymond Duchamp-Villon a Alexander Archipenko. Boccioni syntetizoval své myšlenky do tohoto dynamického mistrovského díla, které zobrazuje kráčející postavu zasazenou do „syntetické kontinuity“ pohybu, jak to Boccioni popsal. Dílo bylo původně vytvořeno v sádře a ve své známé bronzové verzi bylo odlito až v roce 1931, tedy dlouho po umělcově smrti v roce 1916 jako příslušník italského dělostřeleckého pluku během první světové války.

Fotografie: S laskavým svolením CC/Flickr/Steve Guttman NYC

Brancusi, narozený v Rumunsku, byl jedním z nejvýznamnějších sochařů modernismu počátku 20. století – a skutečně jednou z nejdůležitějších postav celé historie sochařství. Brancusi, druh proto-minimalisty, vzal formy z přírody a usměrnil je do abstraktních reprezentací. Jeho styl byl ovlivněn lidovým uměním jeho vlasti, které často obsahovalo živé geometrické vzory a stylizované motivy. Nedělal také žádný rozdíl mezi objektem a základnou, v určitých případech je považoval za vzájemně zaměnitelné součásti – přístup, který představoval zásadní rozchod se sochařskými tradicemi. Tento ikonický kousek je portrétem jeho modelky a milenky Margit Pogány, maďarské studentky umění, se kterou se setkal v Paříži v roce 1910. První iterace byla vytesána do mramoru, následovala sádrová kopie, ze které byl vyroben tento bronz. Sádra samotná byla vystavena v New Yorku na legendární Armory Show v roce 1913, kde ji kritici zesměšňovali a pranýřili. Ale byl to také nejvíce reprodukovaný kus v show. Brancusi pracoval na různých verzíchMlle Poganynějakých 20 let.

Fotografie: S laskavým svolením Muzeum moderního umění

Kolo kolaje považován za první z Duchampových revolučních readymades. Když však dílo dokončil ve svém pařížském ateliéru, opravdu netušil, jak jej nazvat. „Měl jsem šťastný nápad připevnit kolo jízdního kola na kuchyňskou stoličku a sledovat, jak se otáčí,“ řekl později Duchamp. Trvalo to v roce 1915 výlet do New Yorku a vystavení obrovské produkci továrně vyrobeného zboží ve městě, než Duchamp přišel s hotovým termínem. A co bylo důležitější, začal chápat, že dělat umění tradičním, ručně vyráběným způsobem se zdálo v průmyslovém věku zbytečné. Proč se obtěžovat, tvrdil, když by to mohly udělat běžně dostupné výrobky. Pro Duchampa byla myšlenka za uměleckým dílem důležitější než to, jak bylo vytvořeno. Tento pojem – možná první skutečný příklad konceptuálního umění – by zcela proměnil dějiny umění do budoucna. Stejně jako běžný domácí předmět, ale originálKolo kolanepřežil: Tato verze je ve skutečnosti replikou z roku 1951.

Fotografie: Whitney Museum of American Art, © 2019 Calder Foundation, New York/Artists Rights Society (ARS), New York

Milovaná součást stálé sbírky Whitney Museum,Calderův cirkusdestiluje hravou esenci, kterou vnesl Alexander Calder (1898–1976) jako umělec, který pomáhal formovat sochu 20.Cirkus, který vznikl během umělcova působení v Paříži, byl méně abstraktní než jeho závěsné „mobily“, ale svým způsobem byl stejně kinetický: vyrobený primárně z drátu a dřeva,Cirkussloužil jako středobod improvizačních představení, v nichž Calder obcházel různé postavy znázorňující hadí muže, polykače mečů, krotitele lvů atd. jako božský ringmaster.

Fotografie: S laskavým svolením The J. Paul Getty Museum

Francouzský umělec Aristide Maillol (1861–1944) by se jako malíř a návrhář gobelínů a také sochař dal nejlépe popsat jako moderního neoklasicistu, který tradičním řecko-římským sochařstvím vtiskl aerodynamický tvar 20. století. Dalo by se také označit za radikálního konzervativce, i když je třeba připomenout, že i současníci avantgardy jako Picasso produkovali díla v adaptaci neoklasicistního stylu po 1. světové válce. Maillolovým námětem byl ženský akt.Doupě, vytvořil kontrast mezi hmotnou hmotou svého předmětu a tím, jak se zdá, že se vznáší v prostoru – vyvažuje jakoby zatvrzelou tělesnost s prchavou přítomností.

Fotografie: S laskavým svolením CC/Flickr/C-Monster

Japonská umělkyně, která pracuje v různých médiích, Kusama přišla do New Yorku v roce 1957 a do Japonska se vrátila v roce 1972. Mezitím se etablovala jako hlavní postava centrální scény, jejíž umění se dotklo mnoha základů, včetně pop artu, minimalismu a Performance Art. Jako umělkyně, která často odkazovala na ženskou sexualitu, byla také předchůdkyní feministického umění. Kusamova práce je často charakterizována halucinogenními vzory a opakováním forem, sklonem zakořeněným v určitých psychologických stavech – halucinace, OCD – kterou trpěla od dětství. Všechny tyto aspekty Kusumova umění a života se odrážejí v tomto díle, ve kterém je obyčejné čalouněné křeslo znepokojivě pohlceno morovým výbuchem falických výčnělků vyrobených ze šité vycpané látky.

Fotografie: Whitney Museum of American Art, New York, © 2019 Estate of Marisol/ Albright-Knox Art Gallery/Artists Rights Society (ARS), New York

Marisol Escobar (1930–2016) známá jednoduše svým křestním jménem se narodila v Paříži venezuelským rodičům. Jako umělkyně se spojila s Pop Artem a později Op Artem, i když stylově nepatřila ani k jedné skupině. Místo toho vytvořila figurativní obrázky, které byly míněny jako feministické satiry genderových rolí, celebrit a bohatství. VŽeny a pesbere na sebe objektivizaci žen a způsob, jakým se používají standardy ženskosti vnucené muži, aby je přinutily přizpůsobit se.

Fotografie: S laskavým svolením CC/Flickr/Rocor

Brillo Box je možná nejznámější ze série sochařských děl vytvořených Warholem v polovině 60. let, která efektivně posunula jeho zkoumání pop kultury do tří rozměrů. Věrný jménu, které Warhol dal svému ateliéru – továrně – si umělec najal tesaře, aby pracovali na jakési montážní lince a spojovali dohromady dřevěné krabice ve tvaru kartonů pro různé produkty, včetně Heinze kečupu, Kellogg's Corn Flakes a Campbell's Soup, as dobře Brillo mýdlové polštářky. Poté namaloval každou krabici barvou odpovídající originálu (bílá v případě Brillo), než přidal název produktu a logo na sítotisk. Krabice, které byly vytvořeny v násobcích, byly často vystaveny ve velkých hromadách, což efektivně proměnilo jakoukoli galerii, ve které se nacházely, ve vysoce kulturní faksimile skladiště. Jejich tvar a sériová výroba byla možná přikývnutím – nebo parodií – tehdy rodícího se minimalistického stylu. Ale skutečný smyslBrillo Boxje to, jak jeho těsné přiblížení skutečné věci podvrací umělecké konvence tím, že naznačuje, že neexistuje žádný skutečný rozdíl mezi vyrobeným zbožím a prací z umělcova studia.

Fotografie: S laskavým svolením CC/Flickr/Esther Westerveld

Jméno Donalda Judda je synonymem pro Minimal Art, hnutí z poloviny 60. let, které destilovalo racionalistické napětí modernismu na holé základy. Pro Judda znamenalo sochařství artikulovat konkrétní přítomnost díla v prostoru. Tato myšlenka byla popsána termínem „specifický předmět“, a zatímco jiní minimalisté ji přijali, Judd pravděpodobně dal myšlence její nejčistší vyjádření přijetím krabice jako svého podpisu. Stejně jako Warhol je vyráběl jako opakující se jednotky za použití materiálů a metod vypůjčených z průmyslové výroby. Na rozdíl od Warholových polévkových plechovek a Marilyns se Juddovo umění nevztahovalo k ničemu mimo sebe. Jeho „hromady“ patří mezi jeho nejznámější kousky. Každý se skládá ze skupiny shodně mělkých boxů z pozinkovaného plechu, které vyčnívají ze stěny a vytvářejí sloupec rovnoměrně rozmístěných prvků. Ale Judd, který začínal jako malíř, se zajímal o barvu a texturu stejně jako o formu, jak je zde vidět podle zeleně tónovaného laku karoserie naneseného na přední stranu každé krabice. Juddova souhra barev a materiálu dáváBez názvu (zásobník)pečlivá elegance, která zjemňuje její abstraktní absolutismus.

Fotografie: S laskavým svolením CC/Flickr/Rocor

Stejně jako Benglis byla Hesse umělkyní, která filtrovala postminimalismus pravděpodobně feministickým prizmatem. Židovka, která jako dítě uprchla z nacistického Německa, zkoumala organické formy a vytvářela kousky z průmyslového skelného vlákna, latexu a lana, které evokovaly kůži nebo maso, genitálie a další části těla. Vzhledem k jejímu pozadí je lákavé najít v dílech, jako je toto, spodní proud traumatu nebo úzkosti.

Fotografie: S laskavým svolením Muzeum moderního umění

Po Juddovi a Flavinovi se skupina umělců odklonila od minimalismu estetiky čistých linií. Jako součást této postminimalistické generace Richard Serra vložil koncept konkrétního objektu na steroidy, výrazně zvětšil jeho měřítko a hmotnost a učinil zákony gravitace nedílnou součástí této myšlenky. Vytvářel nejisté vyvažovací akty z ocelových nebo olověných plátů a trubek vážících tuny, což mělo za následek, že dílo vzbuzovalo pocit ohrožení. (Při dvou příležitostech byli montéři instalující kusy Serry zabiti nebo zmrzačeni, když se dílo nešťastnou náhodou zhroutilo.) V posledních desetiletích se Serrovo dílo osvojilo křivočaré zdokonalení, díky kterému se stalo velmi populárním, ale na počátku fungovaly jako One Ton Prop (House of Cards), který obsahuje čtyři olověné desky skloněné k sobě, sdělil jeho obavy s brutální přímostí.

Fotografie: Courtesy CC/Wikimedia Commons/Soren.harward/Robert Smithson

V návaznosti na obecný kontrakulturní trend během 60. a 70. let se umělci začali bouřit proti komercialismu galerijního světa a rozvíjeli radikálně nové umělecké formy, jako jsou zemní práce. Vůdčí postavou žánru, známý také jako land art, byl Robert Smithson (1938–1973), který se spolu s umělci jako Michael Heizer, Walter De Maria a James Turrel vydal do pouští západních Spojených států, aby vytvořil monumentální díla, která jednali v souladu se svým okolím. Tento site-specific přístup, jak se tomu začalo říkat, často využíval materiály převzaté přímo z krajiny. To je případ SmithsonaSpirálové molo, která vybíhá do Velkého slaného jezera v Utahu z bodu Rozel Point na severovýchodním břehu jezera. Vyrobeno z bahna, krystalů soli a čediče extrahovaného na místě,Spiral Jetty měří1500 na 15 stop. Byl ponořen pod jezerem po celá desetiletí, dokud jej sucho na počátku 2000s nevyneslo znovu na povrch. v roce 2017Spirálové molobyl jmenován oficiálním uměleckým dílem Utahu.

Fotografie: S laskavým svolením CC/Wikimedia Commons/FLICKR/Pierre Metivier

Originální dílo umělce francouzského původu,Pavoukvznikla v polovině 90. let, kdy už Bourgeois (1911-2010) táhlo na osmdesátku. Existuje v mnoha verzích různého měřítka, včetně některých, které jsou monumentální.Pavoukje myšleno jako pocta umělcově matce, restaurátorce gobelínů (odtud narážka na pavoukovy sklony ke spřádání sítí).

Shutterstock

Antony Gormley, vítěz prestižní Turnerovy ceny v roce 1994, je jedním z nejuznávanějších současných sochařů ve Spojeném království, ale je také známý po celém světě pro svůj jedinečný přístup k figurativnímu umění, ve kterém jsou založeny široké variace v měřítku a stylu. z větší části na stejné šabloně: Odlitek vlastního těla umělce. To platí o tomto obrovském okřídleném monumentu, který se nachází poblíž města Gateshead v severovýchodní Anglii. Nachází se podél hlavní silnice,Andělstoupá do 66 stop na výšku a klene se 177 stop na šířku od konce křídla ke konci křídla. Podle Gormleyho je dílo myšleno jako jakýsi symbolický ukazatel mezi průmyslovou minulostí Británie (socha se nachází v uhelné zemi Anglie, srdce průmyslové revoluce) a její postindustriální budoucností.

S laskavým svolením CC/Flickr/Richard Howe

Obyvatelé Chicaga ho láskyplně nazývali „The Bean“ pro svůj ohnutý elipsoidní tvar,Cloud Gate, Veřejné umělecké centrum Anish Kapoor pro park Millenium v ​​Druhém městě, je umělecké dílo i architektura a poskytuje oblouk připravený pro Instagram pro nedělní kočárky a další návštěvníky parku. Vyrobeno ze zrcadlové oceli,Cloud GateOdrazivost a velkorysost dělají z Kapoorova nejznámějšího kusu.

S laskavým svolením umělce a Greene Naftali, New York

Dílo Rachel Harrison v sobě spojuje dokonalý formalismus se schopností vkládat zdánlivě abstraktním prvkům více významů, včetně těch politických. Zuřivě zpochybňuje monumentalitu a mužskou výsadu, která s ní souvisí. Harrison vytváří většinu svých soch naskládáním a uspořádáním bloků nebo desek z polystyrenu, než je pokryje kombinací cementu a malířského rozkvětu. Třešničkou na dortu je nějaký druh nalezeného předmětu, ať už samostatně, nebo v kombinaci s jinými. Ukázkovým příkladem je tato figurína na vrcholu podlouhlého tvaru postříkaného barvou. Dílo s pláštěm a maskou Abrahama Lincolna obrácenou dozadu vysílá teorii dějin velkého muže s evokací dobyvatele starověkého světa stojícího vysoko na skále v barvě klauna..